textes critiques.

LA PARURE

En convoquant les parures du féminin - robe, chevelures, collerettes - dans sa série de grands dessins à la plume, Mireille Laborie nous convie à une réflexion sur les méandres du pli.

Elle interroge le drapé comme l’ont fait beaucoup d’artistes avant elles : de Léonard de Vinci, qui plaçait des étoffes mouillées sur des modèles de glaise pour rendre avec justesse les ondes du tissu, à Simon Hantaï, qui fit du pliage sa méthode de travail.

Si ce thème du drapé, du plissé, a retenu autant d’artistes - des peintres mais également  des écrivains comme Henri Michaux  ou des musiciens comme Pierre Boulez - c’est sans doute parce que  la peinture du drapé, la figuration d’une étoffe, permet de suggérer les plis du corps autant que ceux de l’âme.

Gilles Deleuze dans son ouvrage  « le Pli. Leibniz et le Baroque » montre de manière brillante que le concept de pli et sa traduction dans la sphère artistique, tout particulièrement dans l’art baroque, permet d’éclairer la pensée philosophique et les thèses leibniziennes d’une manière inédite et passionnante.

Ce concept de pli est donc au cœur du travail de Mireille Laborie. Il peut être un outil pour éclairer son oeuvre.

La méthode utilisée par l’artiste pour figurer les strates de la matière est singulière et mérite qu’on s’y arrête. Il s’agit d’une succession de lignes ondoyantes et fines, tracées sur le papier blanc. Cette suite de lignes courbes, qui se juxtaposent et parfois se mêlent, crée la forme. La multiplication des lignes opère aussi comme une sédimentation sur le papier du temps qui s’écoule. L’ambivalence est d’ailleurs l’une des spécificités du dessin de Mireille Laborie. La facture dit à la fois la fluidité, la vitesse d’exécution, la sûreté de la trajectoire et l’extrême concentration, la patience obstinée de la main qui, peu à peu, par un enchaînement de gestes répétitifs aux subtiles variations, fait naître la figure. Cette figure devient alors trace du temps passé, actualisé sur le support.

Si l’on s’essaye à une analyse comparée des trois sujets explorés par Mireille Laborie dans ses dessins - la robe, la chevelure, la collerette - on s’aperçoit qu’ils touchent tous à la question complexe de l’identité.

La robe est à la fois symbole d’une identité sociale féminine mais aussi voile d’une identité du sujet. Le vêtement est le médium, ce par quoi le corps peut être approché mais aussi le masque de l’identité réelle du sujet. Les robes de Mireille Laborie voilent donc autant qu’elles révèlent. Aucun corps n’habite d’ailleurs ces robes qui flottent et ondoient dans l’espace, indépendamment, comme animées par le souffle du vent, métaphore du vivant, dans ce qu’il a de plus impalpable. Cette évanescence est une manière pour l’artiste de signifier qu’une multitude de corps pourrait entrer dans ces robes, qu’il faut dépasser les apparences, soulever le voile, déplier, expliquer, impliquer, pour révéler l’infinité des plis de l’âme. Cette présence du corps, dans son individualité, est d’ailleurs suggérée par l’intérieur des robes. La doublure est souvent aquarellée de rose, teintée de la couleur de la peau. Le vêtement se métamorphose, s’anime, prend un aspect organique. Les volants sinueux de l’encolure donnent à imaginer les plis d’une vulve. L’artiste semble ironiser sur la manière dont notre société normative fait du corps un objet, le met en boîte, pour mieux préserver la stabilité du modèle social qu’elle a imposé.

Les longues chevelures, vues de dos, qui ne laissent rien paraître du visage ni du corps auxquels elles appartiennent, interrogent tout comme les robes, cette identité pliée, mystérieuse. Elles nous permettent de prendre conscience des visions stéréotypées dont nous sommes tous porteurs. Alors qu’aucun indice ne vient corroborer cette thèse, on pense à des chevelures de femmes. À regarder plus longuement le dessin, on se rend compte de l’aspect formaté de notre vision et de l’importance du préjugé dans notre vision tant notre culture est tissée de ces personnages féminins aux longues chevelures : Mélisande, Flore de Botticelli ou encore les figures baudelairiennes dont la chevelure devient « une mer odorante et vagabonde ». Cette série de chevelures donne donc à penser l’identité sociale de cette parure première du corps et à méditer sur la notion de désir et la multiplicité des fantasmes liés à cet attribut. Cette symbolique multiple du cheveu - mélange d’attirance et de répulsion qui atteint son paroxysme dans le cheveu roux - jalonne toute l’histoire de l’humanité et traverse toutes les civilisations.

Les collerettes sont quant à elles autrement codées puisqu’elles étaient, entre le XVI et le XVIIe siècle, tout autant portées par les hommes que par les femmes. Elles ne sont donc porteuses d’aucun déterminé du corps au niveau sexué mais marquent toujours l’aspect symbolique du vêtement. Anciennement dédiées aux classes les plus élevées de la société, ces dentelles empesées étaient un fort déterminant social. Elles étaient le signe d’une appartenance à un groupe : le codage allait même plus loin puisque le rang se mesurait à l’épaisseur et à la largeur de la fraise. Elles pourraient aussi être interprétées comme des auréoles formant autour du visage un cercle de lumière signifiant le degré supposé de perfection de l’âme. Les collerettes de Mireille Laborie semblent néanmoins nous dire, par le vide béant circulaire au centre du dessin - vide qui nous aspire, dans lequel notre œil s’engouffre - toute la vacuité de tels atours au regard de la condition commune qui est la nôtre.

C’est donc pli à pli que se lisent les dessins de Mireille Laborie, la densité de leurs lignes nous appelle à une réflexion sur la complexité du monde, nous invite à penser les liens de l’âme et du corps et à soulever le voile des idées reçues pour trouver la voie de la liberté.

© Martine Guillerm

 

 

" la Mode"

     La mode, et particulièrement la mode féminine, est éphémère. Chaque année elle change. Pour des raisons commerciales, mais aussi parce que l’Occident  — le changement est bien moins rapide dans d’autres civilisations — est prisonnier d’une fuite en avant qui, avec des noms différents, se manifeste dans tous les domaines. C’est la croissance dans l’économie, la mode pour le vêtement, l’avant-garde (expression tombée en désuétude) dans l’art, en un mot, la nouveauté.

       L’éphémère est la marque du monde d’aujourd’hui qui, partout, crée des musées pour pérenniser, paradoxe, ce qui si vite se démode, ces objets dont la modernité, un temps très court, fascine avant de se muer en vieillerie.

       Pourtant, dans la masse d’objets produits par une société moderne prodigieusement imaginative et destructrice, la mode féminine tient une place à part, à mi-chemin de l’objet d’usage et de l’objet d’art. Dans la grande couture, c’est évident : une robe se conçoit comme une sculpture ou une architecture, conjugaison de lignes et de volumes soigneusement pensés, fruits de l’inspiration d’un artiste ; mais, même le vêtement ordinaire, qui de loin s’inspire de la haute couture, fascine de ses changements, et à cet égard le cinéma est précieux, qui nous conserve le témoignage de la façon dont on se vêtait, parlait et bougeait au fil du dernier siècle.

       Faut-il alors s’étonner que Mireille Laborie se soit intéressée à ces éléments changeants de ce qu’on nomme l’éternel féminin : la robe, la chevelure, jeux de lignes, et qu’elle veuille les abstraire de leur finalité pratique en insistant sur leur intérêt plastique, en créant, avec ses dessins, un discret monument à la féminité ?

         Renversant les données d’une peinture traditionnelle qui célèbre la  femme, d’une façon ambiguë, en représentant sa nudité, Mireille Laborie dessine une femme sans visage et sans corps, réduite à ses traditionnels atours. Je laisse au regardeur le soin d’interpréter comme il le voudra ce renversement, mon rôle n’étant que de poser la question et de laisser chaque regardeur lui trouver une ou des réponses.

                                                                                                                              René  Pons

       Le travail minutieux et sensible de Mireille Laborie cache une farouche détermination. Optant pour une approche sérielle, elle propose cinq séries complémentaires: les corolles, les robes, les jeux de mains, les fraises ou collerettes, enfin les chevelures. Ses dessins réalisés à la plume, utilisant l'encre de Chine et des encres de couleurs affinent une approche sensuelle d'où une certaine perversité n'est pas à exclure. La précision du trait se met au service d'une "lenteur énergique" comme le dit si justement l'artiste où l'apparition d'une chair rosée dans la série des robes met plus en évidence encore l'absence du personnage. Il ne s'agit pas d'une représentation de la figure féminine mais d'une extrême stylisation de ses atours. L'alentour qui enrobe se dérobe ici pour devenir le sujet premier de sa quête graphique.

     Quant aux  références historiques, l'artiste convoque la Renaissance avec ses fraises mais aussi les corps graciles de Botticelli, vêtus de robes diaphanes comme dans "Le Printemps". De cette réflexion sur la deuxième peau, le vêtement, Mireille Laborie tire une sorte de quintessence au travers du dessin. Elle propose au regard du spectateur l'évidence aveuglante de sa composition tout en laissant largement ouvert le champ des possibles et des interprétations. L'influence de l'Art Nouveau, bien que non revendiqué par elle, se retrouve, par exemple, dans les sinuosités des corolles qui rappellent l'ondoyance des végétaux, une thématique que ce mouvement n'aurait pas reniée. Mais l'évolution temporelle fait que le sujet féminin se trouve traité par le sujet artiste, ce qui change l'ensemble de la démarche. En présence de cet Autre qui n'est pas entièrement le Même, s'inscrit la figure de l'artiste qui distille sa différence en jouant sur une habile distanciation.

      Une connotation sexuelle irrigue l'ensemble mais de façon suggestive, comme voilée. Certaine petite culotte entr'aperçue possède la forme d'un taureau qui entraîne une efficace poussée imaginative et poétique.  Avec la série des mains apparaît un effet de montré-caché où un pouce dénudé offre une nouvelle symbolique. Du peu que l'on voit n'imagine-t-on pas davantage encore ? Cette dimension érotique parcourt l'ensemble de ses réalisations mais en complexifiant leur vision même. Les chevelures jouent ici sur une double appartenance, à la fois féminines et masculines. En effet, en partant d'une approche qualifiable de classique avec une femme vue de dos, l'œuvre s'inscrit dans une possible tradition représentative. Mais si celle-ci se trouve prise dans une dimension totémique, elle change de nature, devenant un possible phallus de pierre ou quelque menhir majestueux.

       Mireille Laborie propose ses dessins non pas dans le cadre d'un simple savoir-faire mais comme l'illustration de concepts. Ses desseins reposent ainsi sur une relation énigmatique et conceptuelle où le regard du spectateur, de la spectatrice, demeure incontournable. Ainsi toute sa démarche s'inscrit dans une contemporanéité qui se joue des codes pour mieux les subvertir. L'intense présence du trait  magnifie la force du signifiant et nous entraîne vers un univers d'où la narration s'émancipe. Parfois ses plages colorées ressemblent à des trous noirs qui absorberaient tout l'univers. La force flirte avec l'insolente élégance de l'esprit.

Christian Skimao

Perspective Cavalière

Le volume à sept faces sans ouvertures est la traduction littérale et basique de la forme de la maison que déclinent plusieurs plasticiens.

Une maison – propos d’artistes- qui ne révèle aucune intimité et qui expose ses faces et ses façades.

Ni habitacles, ni habitables, ces fausses architectures se distinguent les unes des autres par leur revêtement ou par le concept qui les a fait naître, posant ainsi la question de la représentation et de la perception.

-       Est-il préférable d’habiter une maison ordinaire avec vue sur une « belle » maison que l’inverse ?

-       Peut-on dire qu’il n’est pas nécessaire d’entrer au musée Guggenheim de Bilbao, son enveloppe architecturale extérieure suffisant à combler le regard du visiteur ?

On mesure donc à travers la démarche de Mireille Laborie le rôle du revêtement qu’elle impose aux façades de ses volumes, habitations impénétrables. La pellicule textile ou carrelée de petites pâtes de verre, étanchéifie et verrouille l’édifice rappelant qu’il est avant tout sculpture-objet. Objet à saisir du regard. Objet à vivre et non à habiter.

Quand elle sérigraphie un texte de René Pons sur les quatre pans d’une maison c’est pour mieux nous obliger à tourner autour, alors celle-ci tel un livre en ronde-bosse, dévoile son inscription publiquement et on se prendrait volontiers pour le citoyen de Pompéi lisant l’affichage urbain écrit à même les murs de la cité.

Cocon menteur

Contrairement au bombyx qui tricote autour de lui une capsule hermétique, Mireille Laborie entrelace des copeaux de bois en en maîtrisant le profil de l’extérieur. A l’intérieur de ces cocons-nids, il n’y a ni ver ni oiseaux, la forme évocatrice ne parle que d’elle-même, de son isolement nécessaire pour être mieux comprise, de sa présence et de sa légèreté. Vannerie au caractère ambigu, elle profite de la dextérité de la main de l’artiste sans en subir un excès de savoir-faire.

Elle est ronde, ovale, tubulaire ou sphérique, elle n’a ni fonction ni destinée. Elle existe à part entière pour dire que tout se love dans le creux de la chose, tout ce que l’artiste veut y mettre, tout ce que le regardeur veut y voir.

 ©   Martine Lafon 2007

"Enigme" 

L’intérêt du travail d’un artiste tient dans sa cohérence, cohérence la plupart du temps inconsciente, et c’est tant mieux. Cet ordre caché de l’art dont parle Anton Ehenzweig, opposant

Les  méthodes de travail délibéré aux méthodes spontanées.

 Chez Mireille Laborie, la figure initiale et obsessionnelle est la maison, celle qui signifie l’être intérieur,  un état d’âme selon Bachelard, lieu du secret, énigme à tous posée derrière le personnage que la société nous impose de jouer.

C’est là qu’est enfermée, protégée, la vérité de l’artiste solitaire autour duquel tourne un ballet

d’ombres  ces personnages sans visage qui s’éloignent, fantômes énigmatiques livrés à l’interprétation de  chacun.

 La plupart des œuvres de Mireille Laborie tournent autour de l’idée d’enfermement et de protection. Un phénomène secret, une métamorphose est en train de se produire loin des regards,

comme celle de la chenille à l’intérieur du cocon, de la graine dans la terre, ou de l’embryon dans l’utérus, lent travail de la nature dont on retrouve la marque dans les volumes de bois tressé qui évoquent, pour moi , le mot chrysalide, enveloppe vide abandonnée par l’insecte sur le chemin, forme d’une vie enfuie pour se reproduire, ailleurs, dans le cycle infiniment recommencé de la vie.

Ce goût pour la mise en scène du secret, de l’énigme, ne se trouve pas seulement dans le sujet des tableaux et gravures ou dans ces maisons scellées contenant un papier sur lequel est écrit, ou n’est pas écrit, un texte qui nous restera toujours ignoré, sauf à briser l’objet qui le contient, mais il se trouve aussi dans les matières et supports employés par l’artiste et qui souvent trompent sur leur vraie nature, comme ces toiles dont la texture rappelle celle de la toile de bâche, et qui sont en réalité des affiches publicitaires ordinaires.

Secret (qui contient la notion de séparé), énigme, détour sont les trois éléments essentiels d’un travail qui suggère bien plus qu’il ne montre.

 © René  Pons